Situada en la planta baja del edificio principal de la National Gallery, en Londres, se despliega una exposición extraordinaria. Para llegar a esta cautivadora muestra de obras de arte, el visitante tiene que seguir una serie de pasillos abovedados y atravesar la cafetería. Aunque este camino pueda parecer modesto, en consonancia con la sencillez de vida del santo en cuestión, conduce a una exposición de más de 40 obras de arte dedicadas a san Francisco de Asís, que abarcan más de siete siglos.
La exposición
Una vez allí, lo primero que llama la atención son los brazos extendidos del cuerpo fundido de Gormley “Sin título (para Francisco)”, de 1985, que saludan al visitante; una invitación a despojarse de cualquier preocupación mundana y centrarse en el mensaje atemporal de San Francisco.
Gormley, influido por la devoción de su padre al santo, se inspiró en “San Francisco en el desierto” (hacia 1476-1478), de Giovanni Bellini, donde el santo aparece como un asceta que vive en el desierto, en línea con las representaciones contemporáneas durante el Renacimiento. Este es el primer momento de la exposición en que el arte medieval y el moderno van de la mano.
San Francisco de Asís: fuente de inspiración
San Francisco de Asís nació a finales del siglo XII (hacia 1182), pero puede considerarse un santo moderno por su amor a la naturaleza y los animales, su compromiso con los pobres y sus esfuerzos por dialogar con las distintas religiones. En el momento de su canonización, en 1228, sólo dos años después de su muerte, su imagen y su espiritualidad se habían difundido por toda Italia central, y pronto por toda Europa. Esta figura ha influido en los artistas de todos los siglos; las obras de arte creadas para transmitir su espiritualidad y su vida son difíciles de enumerar y reflejan una gran variedad de estilos y medios artísticos.
Esta profusión de representaciones no escapó a la aguda mirada del Dr. Gabriele Finaldi, director de la National Gallery. A Finaldi le gusta pasear por las galerías para centrarse en lo que tiene bajo su dirección: la colección. Es uno de los modos en que obtiene inspiración tanto para comisariar una exposición como para redistribuir los cuadros de una sala: bajo su mandato como Director adjunto del Museo del Prado, la colección se redistribuyó de forma muy acertada, llevando a los niveles principales algunas joyas ocultas de las salas inferiores y remodelando la lectura de las obras de arte. Fue durante uno de sus paseos matinales por la National Gallery cuando empezó a contar cuántos cuadros del santo había en el ala Sainsbury; contó 18 en pocos minutos.
Evolución de las representaciones
San Francisco se sitúa cómodamente tanto en el pasado como en nuestro mundo actual, por su radicalismo espiritual, su compromiso con los pobres y su amor a Dios y a la naturaleza. Planteó un desafío radical que aún hoy toca una fibra sensible. El paso de las representaciones bidimensionales estáticas del santo de la época medieval a las imágenes realistas y dramáticas del siglo XVI, junto con las aproximaciones modernas a su figura, pueden rastrearse en esta exposición, inusualmente dedicada a un solo personaje (la exposición “La imagen de Cristo”, de Finaldi, en la National Gallery en 2000 es un magnífico ejemplo de características similares).
La exposición explora cómo se ha percibido y representado al santo y cómo ha seguido siendo un personaje relevante. Es una figura inspiradora para quienes luchan por el medio ambiente, los animales, la paz, la justicia social y la solidaridad, independientemente de si se es cristiano o no. El Papa Francisco tomó su nombre pontificio de este santo, y considera que su mensaje es extraordinariamente actual. Las palabras recurrentes del “Cántico del Sol” de San Francisco de Asís, repitiendo “Laudato si’” («Alabado seas»), fueron utilizadas por el Papa Francisco en 2015 como título de su segunda encíclica, en la que pedía un cambio radical para hacer frente a la degradación del medio ambiente y al cambio climático, para preservar nuestra «casa común», lo que subraya el poder y el potencial perdurables del santo.
El viaje de 800 años resumido en la exposición comienza con escenas de la vida de san Francisco bellamente narradas por los paneles de Sassetta (colección de la National Gallery) y dos paneles tempranos llamados «vita-retablos» de Asís y Pistoia, pintados poco después de su muerte, que son ricos en detalles y se inspiran en modelos ya bien establecidos (véase la curación del tullido).
El viaje continúa explorando al san Francisco místico y su amor por el mundo natural. A partir de los cuadros descriptivos de principios del Renacimiento, y una vez que la orden franciscana se estableció firmemente en Europa, artistas como Zurbarán, Murillo, Caravaggio, El Greco o Ribalta, por citar algunos, se centraron más en la experiencia trascendental del santo y siguieron los pasos del Concilio de Trento (1545-1563), representando a san Francisco de Asís como un Francisco de la Contrarreforma, haciendo hincapié en sus experiencias milagrosas. Estos cuadros místicos van más allá de los relatos biográficos para combinar la experiencia trascendental con la intensidad devocional.
El san Francisco de Zurbarán
Especialmente conmovedor es el “San Francisco en meditación” (1635-1639) de Zurbarán. Zurbarán pintó al santo más de quince veces a lo largo de su carrera. Este lienzo de tamaño natural muestra al santo presente físicamente, pero espiritualmente en otro lugar, con la boca abierta y las manos juntas en oración, sosteniendo una calavera. El hábito de arpillera remendado está realizado con extraordinaria habilidad. La capucha puntiaguda y el cinturón con los tres nudos, que representan los tres votos de pobreza, castidad y obediencia, eran típicos de los frailes capuchinos.
Este cuadro enlaza con un objeto expuesto en otra sala, donde el espectador puede contemplar, y rezar con él, que es una notable reliquia cedida por la basílica de Santa Cruz de Florencia: el hábito de san Francisco. Se cree que este hábito de lana y cinturón de cáñamo lo vistió el propio Francisco. La rudeza de la tela es probablemente muy diferente de la que el santo pudo haber llevado antes de su viaje espiritual; era hijo de un rico comerciante de telas y probablemente estaba familiarizado con tejidos como la seda. Esta reliquia sagrada, que una vez habitó el santo, causó una profunda impresión a Gormley cuando la vio en Asís. Su “Sin título” que abre la exposición también estuvo habitado por Gormley, del mismo modo que la túnica de San Francisco llevó su cuerpo y su espíritu en el pasado.
Murillo
Este desprendimiento del mundo se manifiesta en la poderosa representación de Murillo de “San Francisco abrazando a Cristo crucificado”, 1668-1669, cedida por el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Esta monumental pintura muestra al santo abrazando con ternura a Cristo crucificado, que envuelve entrañablemente al santo, ambas figuras mirándose mutuamente. El pie de san Francisco aparta un globo terráqueo, emblema de las preocupaciones seculares que ha repudiado. Hallarse sobre el globo pudo ayudar al santo a estar más cerca de Cristo; el mundo mismo es una forma de acercarnos a Dios, a su belleza, a sus criaturas, a los seres humanos hechos a imagen de Cristo. San Francisco contemplaba el mundo natural y sus criaturas y veía la bondad de Dios en todo. Era parte de la novedad de su predicación, un mensaje que sigue siendo poderoso: podemos encontrar a Dios también en nuestra vida cotidiana.
Spencer y Büttner
Las obras de arte moderno de Stanley Spencer y Andrea Büttner reflejan la profunda conexión de san Francisco de Asís con los animales, señalándole como patrón de los animales y la ecología. Una vez más, la influencia del pasado sirve de inspiración para una obra moderna. “Vogelpredigt” (“Sermón a los pájaros”), 2010, de Büttner, rinde homenaje al retablo “San Francisco y veinte episodios de su vida” (basílica de Santa Croce, Florencia, hacia 1250), utilizando una técnica antigua, la xilografía. La escena representada está descrita en la “Primera Vida” de Tomás Celano (1228-1229), en la que el santo se dirige a los pájaros y les aconseja alabar al Creador en todo momento.
El original pintado en el siglo XIII estaba ricamente dorado y se utilizaban materiales caros, para transmitir el significado espiritual. Büttner utiliza una técnica más barata, la xilografía sobre papel, en consonancia con la pobreza que dominó la vida de San Francisco. En esta sala se puede oír de fondo sonidos de pájaros piando, que hace que la contemplación de los cuadros sea más inmersiva en el mundo natural, creando una sensación de paz y tranquilidad.
Stanley Spencer muestra al santo de una manera muy diferente. “San Francisco y los pájaros”, de 1935, puede considerarse un poco excéntrico; de hecho, cuando se expuso por primera vez en la Exposición de Verano de la Real Academia de las Artes, fue rechazado por considerarse una distorsión del santo. El autor respondió que esta representación había surgido de un sincero aprecio por el santo, y que la voluminosa figura significa la amplia difusión de las enseñanzas de san Francisco. La figura, un hombre barbudo inspirado en el padre del pintor, dirige un grupo de gallinas y patos, que parecen copiar al santo en sus alabanzas a Dios.
San Francisco, un santo actual
La exposición de arte sobre san Francisco en la National Gallery, que presenta una variada gama de obras procedentes de la propia colección del museo y de impresionantes préstamos, constituye una importante contribución a la representación contemporánea de san Francisco. La exposición pone de relieve la perdurable relevancia de San Francisco en el siglo actual. Sigue cautivando e inspirando tanto a creyentes como a no creyentes por su renuncia a la riqueza y las posesiones, su humildad, su entrega a los pobres y su profundo amor por la naturaleza y los animales. San Francisco de Asís veía en todos ellos la imagen de Dios y de su tierno amor por todas las criaturas. Y lo mismo podemos hacer nosotros.
Historiadora del arte
