Diana García Roy: "Cerco una scultura che rifletta lo spirito, che venga dal cuore in modo sincero".Antonio López: "Con il Cristo crocifisso, Velázquez osservò un corpo e fece un Dio".Il periodo natalizio è senza dubbio uno dei momenti in cui l'arte sacra risplende con particolare forza. Cartoline di Natale, rappresentazioni della natività, figure del presepe... l'arte diventa più che mai un percorso di preghiera e contemplazione.
Insieme alle sorelle Maysa e Inma, Ignacio Valdésda anni si dedica alla cattura di immagini religiose su tela. Oltre a opere di pittura di genere, l'artista, nato a Cadice e formatosi alla Facoltà di Belle Arti di Santa Isabel de Hungría a Siviglia e alla Winchester School of Fine Art di Winchester, ha portato in centinaia di Paesi scene della Sacra Famiglia e di santi presenti e passati. Oltre che in Spagna, ha lavorato in Inghilterra, Polonia, Irlanda, Giappone, Stati Uniti, Russia, Croazia, Sudafrica, Messico, Cile, Nigeria, Libano, Guatemala e Italia.
I suoi dipinti, realistici, ravvicinati e colorati, sono al centro di pale d'altare e cappelle, ponendo Dio, in qualche modo, in mezzo all'ambiente abituale dello spettatore. Una materializzazione della Via della Bellezza che egli porta avanti in modo naturale, come sottolinea in questa intervista a Omnes: "Mentre dipingo, penso alle persone che, trovandosi davanti a quel quadro, lo aiuteranno ad amare di più Dio, o sua Madre.
Dice Antonio López Pensa che la vera arte religiosa sia quella che commuove lo spettatore perché dimentica la dimensione "artistica" per concentrarsi su quella religiosa? La fede è una premessa perché un'opera religiosa raggiunga davvero il suo obiettivo?
- È sempre stato difficile per me trovare una risposta al fatto che un dipinto sacro, tecnicamente ben fatto, persino classificato come opera d'arte, tuttavia non suscita devozione nello spettatore, non tocca il cuore di chi lo guarda, anche se è molto piacevole alla vista.
E, paradossalmente, a volte accade anche il contrario: quante immagini conosciamo che non sono una "capo lavoro ma a cui migliaia di persone pregano comunque!
Ho trovato la risposta a questo dubbio nel libro di Santa Faustina Kowalska:
"Una volta, quando sono stato nello studio di quel pittore che ha dipinto quel quadro, ho visto che non era bello come lo è Gesù. Ero molto addolorato per questo, ma lo nascondevo nel profondo del mio cuore. Quando lasciammo lo studio del pittore, la Madre Superiora rimase in città per risolvere varie questioni, e io tornai a casa da sola. Sono andata subito in cappella e ho pianto tanto. Chi ti dipingerà bella come sei? In risposta ho sentito queste parole: "La grandezza di questa immagine non è nella bellezza del colore, né nella bellezza del pennello, ma nella mia grazia".
Certamente un'opera d'arte sacra deve avere una qualità tecnica, per non cadere nel ridicolo o nel brutto, ma d'altra parte, nell'arte sacra, la distanza tra ciò che viene rappresentato e il modo in cui viene rappresentato è infinita: nemmeno i pennelli di Velázquez o di Rembrandt sono in grado di avvicinarsi alla bellezza di Dio stesso. In questo episodio, Santa Faustina ci parla di un aumento che Dio dà nella contemplazione dell'opera d'arte, che va oltre la bellezza del colore: si tratta della grazia che egli dona attraverso la contemplazione dell'immagine sacra.
Come può un pittore rendere le sue opere strumenti della grazia di Dio? Si tratta di dimenticare "l'artistico per concentrarsi sulla dimensione religiosa", come dice Antonio López, o di dipingere a partire dalla fede?
- Questo appartiene al mistero di Dio, anche se sento che può essere legato all'"intenzione" dell'artista quando dipinge. Se l'intenzione di fondo dell'artista nel dipingere un determinato quadro sacro è: l'amore per ciò che si rappresenta, il servizio che si rende a Dio, alla Chiesa, agli altri; la riparazione dei propri peccati..., è più facile che Dio lo usi come strumento per elargire la sua grazia a coloro che contemplano l'opera. E per questo è indubbiamente necessaria la fede.
Tuttavia, se l'intenzione di fondo dell'artista è: essere lodato dagli altri, essere al di sopra dei nostri concorrenti, trarre profitto economico... Sebbene gli artisti abbiano bisogno di lodi, una sana competizione ci rende migliori, e guadagnare soldi da qualcosa che non molti sanno fare è più che giusto, tutto questo è ragionevole, ma se dovessero occupare il primo posto nelle intenzioni, trasformerebbero l'opera in uno strumento difettoso della grazia di Dio, anche se quella persona ha fede.
Eppure Dio può, e spesso lo fa, usare quelle opere imperfette e "trasformare le pietre in figli di Abramo", da qui la mia difficoltà a rispondere a questa domanda.
È possibile pregare davanti al proprio lavoroCom'è il dialogo tra un pittore di fede e un'opera religiosa che mira a una sfera così intima?
- Trovo molto difficile pregare davanti a un quadro che ho dipinto, perché lo vedo subito a pennellate, non posso farci niente. A volte, quando dipingi, penso alle persone che, trovandosi di fronte a quel quadro, lo ameranno di più, o alla loro madre.
Noi artisti non sappiamo quasi nulla di queste storie intime; e questo è un bene perché potreste pensare che tutto il successo sia vostro, e non è vero.
A volte mi trovo di fronte a una difficoltà particolare nel processo o non so da dove cominciare: ho un trucco infallibile che consiste nel chiedere aiuto alla persona che sto rappresentando nel dipinto. La goccia che fa traboccare il vaso è quando si "incrocia" la richiesta, ad esempio: sto cercando di dipingere Gesù Bambino e dico a sua madre: "Vuoi che dipinga il tuo bel figlio, vero?" Non fallisce.
Quando vi avvicinate al quadro della Vergine Maria, di San Giuseppe, siete consapevoli che ci saranno persone che materializzano la loro preghiera attraverso queste immagini, che stanno "dando un volto" a Dio? È una responsabilità o una sfida?
- Il tema dell'immagine mentale che abbiamo di Dio Padre, di Gesù, della Vergine... è molto interessante. Pensiamo con le immagini e ne abbiamo bisogno. Poiché la seconda Persona della Santissima Trinità, Gesù Cristo, si è incarnata nel grembo di Maria, ha già un corpo concreto, un volto unico e singolare, riconoscibile da chi lo circonda.
Nell'Antico Testamento era vietato rappresentare Dio con un'immagine, per evitare di contagiare i popoli vicini e di cadere nell'idolatria; sappiamo come finì il vitello d'oro... Ma, a partire dall'Incarnazione, tutto cambia e Dio stesso si presenta con il volto di Gesù. Anche Maria e Giuseppe hanno caratteristiche specifiche e uniche. L'arte cristiana ha creato immagini di loro con la fantasia degli artisti e la devozione del popolo.
L'immagine di Gesù Cristo è stata fissata fin dall'inizio, grazie al "mandylion" e alla Sindone, ma i volti della Vergine, di San Giuseppe, degli apostoli, ecc. sono stati rappresentati in modi diversi, anche se nella storia dell'arte non si è mai interrotto un filo conduttore che ci aiuta a riconoscere i personaggi rappresentati: elementi del costume, pose, attributi... Ma ogni epoca e ogni artista ha il suo modo di rappresentarli.
Alla fine, come accade in ogni famiglia, ognuno ha le sue preferenze, e non parlo solo di gusti, ma della devozione che prova o del mistero che percepisce: se uno preferisce una Madonna rinascimentale per rivolgersi a Lei, allora benissimo.
Cerco di rappresentare la Vergine e San Giuseppe come li immagino, senza cercare di spezzare il filo di cui parlavo prima, ma so che quando si crea una nuova immagine, all'inizio può essere uno shock, perché avevamo già un'altra immagine mentale consolidata, ma il passare del tempo la fissa.
Mi è successo, per esempio, con l'attrice che interpretava la Vergine nel film "The Passion", all'inizio ero scioccato, ora non lo sono più. Sono un sostenitore dell'idea che l'arte sacra sia un servizio agli altri, in questo senso è una sfida.
Qual è per lei il volto della Madonna, che ha spesso ritratto?
- La Madonna è prima di tutto mia Madre. Ha il volto di una madre, e non c'è bisogno di entrare nel dettaglio di come sono le madri, perché lo sappiamo tutti. Mi succede anche una cosa un po' misteriosa, e cioè che nel volto di ogni donna percepisco uno scorcio di Maria, anche se quella donna ha i suoi difetti, quindi quando una modella mi posa, cerco di riflettere quello scorcio.
Negli ultimi anni abbiamo assistito a un'arte religiosa che potremmo definire "vicina": scene familiari o intime della Sacra Famiglia, un'incorporazione dei nuovi santi e un nuovo modo di vedere i santi.. Anche la pittura si adatta al nuovo linguaggio dei credenti, della società?
- Non credo che la pittura debba adattarsi al nuovo linguaggio della società, noi artisti facciamo parte della stessa società, quindi se cerchiamo di essere noi stessi, ci esprimiamo con lo stesso linguaggio. In alcune occasioni, qualcuno mi ha detto che le mie immagini sono troppo "reali" e che devono essere "idealizzate" un po' di più. Capisco che nella pittura sacra non si possa essere banali e che sia necessario riflettere il mistero del soprannaturale, ma succede che quando si pone tanta enfasi sull'"ideale", le immagini si allontanano da noi in uno spazio interstellare: rappresentano personaggi che non sono con noi e noi dobbiamo andare da loro. Questo è il dramma attuale del cristiano: che agisce durante la giornata pensando che Dio, la Vergine, gli angeli, i santi, siano lontani da noi, su un altro piano... molto lontani, e che non si preoccupino molto di noi: si scopre che è il contrario. Credo sia importante ricordare questa idea di "vicinanza" anche attraverso la pittura.
La pittura religiosa sta vivendo una nuova età dell'oro o, al contrario, sta attraversando un periodo difficile?
- Non ho la prospettiva temporale per poter dare una risposta chiara. Per collocarci, negli anni Sessanta e Settanta del secolo scorso è iniziato un movimento iconoclasta nel cuore della Chiesa, le cui ragioni non sono rilevanti, ma il fatto è che, in qualche modo, soffriamo ancora di questa inerzia. In quegli anni, nel panorama artistico, l'unica cosa accettabile era il linguaggio astratto e la conseguente emarginazione di qualsiasi linguaggio figurativo. Questo ha influenzato gli elementi artistici all'interno delle chiese, creando il paradosso di una "sacra immaginazione astratta", due termini: immagine e astrazione, che sono contraddittori.
Il problema è che l'assenza di immagini non è un'opzione cristiana, come ha affermato Benedetto XVI. In quel contesto, Kiko Argüello propose un linguaggio neo-iconico per le immagini e, in qualche modo, gli unici dipinti figurativi che abbiamo visto in quegli anni nelle chiese moderne erano proprio in questo stile: almeno erano figurativi.
Ho scelto uno stile realistico per la pittura sacra, innanzitutto perché mi piaceva di più, e poi perché lo vedevo più vicino alla devozione delle persone. Con il passare del tempo, ho iniziato a insegnare alla Scuola d'Arte Sacra di Firenze, e da lì stiamo formando nuovi artisti per tutto il mondo, studenti provenienti da tutto il mondo, che imparano prima la tecnica della pittura e poi, in un secondo momento, a fare pittura sacra, che è la parte più difficile.
Credo che a poco a poco questa nuova proposta venga accettata, perché la qualità del mestiere del pittore sta migliorando sempre di più e la formazione in Sacra Scrittura, Storia dell'arte, Liturgia, Simbologia cristiana e Teologia, completa un bagaglio nello studente che fa sì che quando dipinge un quadro, non sia solo un quadro tecnicamente ben fatto, ma che cerca di trasmettere il mistero della nostra fede.
